Da Vicenza parte il tour "Noi-Credevo fosse amore" per la prevenzione della violenza di genere

L'iniziativa, firmata da Fondazione Giulia Cecchettin Ets e Zelda Teatro, debutta al Teatro Comunale con due repliche studentesche e uno spettacolo serale aperto al pubblico, mirando a sensibilizzare su consenso, stereotipi e responsabilità relazionale.

Lunedì 16 novembre parte da Vicenza il tour teatrale "Noi-Credevo fosse amore", promosso da Fondazione Giulia Cecchettin Ets e Zelda Teatro. L'appuntamento è alla Sala del Ridotto del Teatro Comunale, dove si apre un percorso di prevenzione della violenza di genere attraverso il teatro e le storie relazionali.

La giornata di apertura prevede un doppio binario: due repliche mattutine, alle 9:20 e alle 11:30, rivolte a 700 studenti delle scuole secondarie, e uno spettacolo serale alle 20:30 aperto al pubblico generale. L'obiettivo è coinvolgere sia gli adolescenti sia i cittadini, garantendo un accesso diffuso al progetto senza lasciare indietro nessuno.

Scritto e diretto da Filippo Tognazzo, con Ludovica Ferraro e Riccardo Rampazzo sul palco, lo spettacolo intreccia le vicende dei due protagonisti "Lui" e "Lei" con le voci di amici, familiari, insegnanti, psicologi e operatori. Al centro del racconto vi sono consenso, stereotipi, dinamiche relazionali e la responsabilità individuale e collettiva, in una messa in scena del conflitto e della ricerca di un limite.

L'iniziativa rientra nel progetto culturale "SicuraMente", che coinvolge 26 istituti, 141 classi e 3.018 studenti in totale. Il progetto beneficia del contributo della Regione del Veneto e della collaborazione di Rete Sicura, estendendo il percorso di sensibilizzazione a migliaia di ragazzi.

Il teatro si configura qui come strumento educativo e relazionale, finalizzato a creare uno spazio di confronto su conflitto, senso del limite, rispetto e ascolto reciproco. Un percorso verso la consapevolezza che, attraverso le parole e le storie, mira a prevenire la violenza e promuovere relazioni sane tra adolescenti e adulti.

Scritto da Fabio Villini
14 Novembre 2026
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Monfalcone apre "Turbolenze pittoriche", l'antologica su Emilio Vedova
Centoquarantatré opere da collezioni private raccontano la parabola creativa del maestro dell'informale, in un percorso che dal 1935 al 2006 guida il visitatore attraverso il colore e la luce.

Apre oggi a Monfalcone «Turbolenze pittoriche», l’antologica che la Galleria comunale d’arte contemporanea dedica a Emilio Vedova fino al 2 maggio. Centoquarantatré opere — dipinti, mosaici, carte — per ripercorrere l’intera parabola di uno dei padri dell’informale italiano, protagonista della «Corrente» e cofondatore del Fronte Nuovo delle Arti, passato dalla figurazione tesa degli esordi alla gestualità esplosiva che gli valse il Leone d’oro a Venezia nel 1960.

Il nucleo arriva da collezioni private e copre un arco sterminato: dal 1935, quando l’artista aveva sedici anni, al 2006, anno della scomparsa. «Quadri di collezionisti privati dal 1935 al 2006, dai sedici anni dell'artista all'anno della sua scomparsa, allestiti attraverso un percorso non soltanto cronologico, ma che viaggia all'interno degli anni sfruttando la luce, illustrando l'evoluzione del suo percorso creativo», spiega il curatore Cesare Orler. Niente didascalie accademiche, dunque: il percorso segue la luce, non il calendario.

Un viaggio sensoriale tra colore e luce

E la luce, qui, ha il colore dell’emozione. Si entra in una sala «verde profondissimo», si passa per una «sala rossa» dove resistono gli interni figurativi di chiese e calli veneziane — rimasugli di un realismo che Vedova stava già sbriciolando — per finire abbagliati dal «giallo fulminante» dell’astrazione matura. Tra le pareti spicca il «Trittico dell'angelo», soprannominato la «Guernica» di Vedova per scala monumentale, tavolozza monocroma e urgenza civile: un pugno nello stomaco che riecheggia Picasso. Accanto, i tre lavori selezionati per la Quadriennale di Roma del ’48, vetrina che consacrò la nuova avanguardia nazionale. Chiusura in un «labirinto di pannelli bianchi e grigi», mosaici e settantotto lavori su carta: il pensiero che si fa segno, leggero e tagliente.

L'arte come bandiera civile e politica

La mostra, però, non è solo esercizio estetico. «Una mostra… che punta alla valorizzazione dei grandi artisti e delle correnti pittoriche del Novecento. Con un unicum: Emilio Vedova era un potere forte che ambiva e contrastava i poteri forti», rivendica il sindaco Luca Fasan. Parole che suonano come manifesto: l’artista anarchico, veneziano, partigiano, che non smise mai di litigare con l’establishment, diventa bandiera di una città operaia che cerca riscatto. «L'obiettivo è porre Monfalcone al centro internazionale di scelte culturali molto importanti… una città molto complessa e difficile che vuole dire a tutti che le radici, la cultura e l'eccellenza sono un valore», rincara l’europarlamentare Anna Maria Cisint. Tra cantieri navali e geometrie astratte, la scommessa è lanciata.

Galleria comunale d’arte contemporanea, Monfalcone (Gorizia). Aperta fino al 2 maggio.

Fjord di Mungiu: la doppia Palma d’Oro racconta il conflitto tra una famiglia cattolica e il welfare norvegese
Il nuovo film del regista rumeno, uscito il 19 novembre, è ispirato al caso Bodnariu e mette in scena il paradosso del modello nordico tra universalismo e intolleranza.

Il 19 novembre 2026 è uscito nelle sale italiane Fjord, il nuovo film di Cristian Mungiu, che conferma il regista rumeno come uno dei più acuti cronisti delle fratture contemporanee. Dopo aver conquistato la Palma d’Oro a Cannes nel 2026 – diventando il decimo regista nella storia a vincere il premio due volte – Mungiu torna a interrogare i confini tra libertà individuale e potere istituzionale, questa volta spostando l’attenzione dal retaggio post‑comunista dell’Europa orientale al “modello” occidentale incarnato dal welfare norvegese.

La storia ruota attorno alla famiglia Gheorghiu, un nucleo rumeno‑norvegese di fede cattolica composto da Mihai (Sebastian Stan) e Lisbet (Renate Reinsve) e cinque figli, di cui il più piccolo è un neonato. La coppia, entrambi ingegneri, si è integrata in un piccolo villaggio sul fiordo, stringendo legami stretti con i vicini Halberg. La coesione familiare appare solida finché Elia, l’adolescente, non compare a scuola con evidenti lividi sul corpo. La segnalazione della scuola innesca una catena inarrestabile: i servizi sociali vengono allertati, le indagini si aprono e il caso viene affidato al sistema giudiziario minorile, dando inizio a un lungo processo che oppone la visione religiosa e tradizionale dei Gheorghiu alla logica secolare e “normativa” dello Stato nordico.

L’escalation culmina in una scena che ha fatto il giro del mondo: un furgone nero preleva i cinque bambini dalla loro abitazione e li colloca in un centro di accoglienza temporaneo. La rimozione, disposta dall’autorità giudiziaria minorile, è presentata come misura protettiva, ma i genitori la vivono come un atto di violenza istituzionale. La famiglia si trova così di fronte a uno scontro asimmetrico: da un lato una comunità che considera la disciplina, la fede e la coesione familiare come pilastri dell’educazione; dall’altro uno Stato che interpreta i lividi come abuso e la pratica religiosa come un rischio per lo “sviluppo armonioso” del minore.

A guidare l’intervento è il Barnevernet, i servizi sociali norvegesi istituiti nel 1992 dal Child Welfare Act. L’agenzia, che opera a livello municipale sotto la supervisione del Barne-, ungdoms- og familiedirektoratet (Bufdir) e del Barne-, ungdoms- og familieetaten (Bufetat), è nota per la sua rigidità e per le sue operazioni spesso percepite come invasive. Circa il 3 % dei minori norvegesi riceve un qualche tipo di intervento, e un quarto di questi casi sfocia in collocamento fuori casa. La sua gestione di famiglie immigrate e religiose è stata ripetutamente contestata: negli ultimi nove anni la Corte europea dei diritti dell’uomo ha emesso 24 sentenze contro Oslo per presunte violazioni del diritto di famiglia in questo ambito. Il caso reale del Bodnariu (rinominato nel film Gheorghiu) è emblematico: nel novembre 2015 a Tønsberg, i cinque figli di una coppia rumena evangelica furono prelevati con un “black van” dopo che la scuola aveva segnalato lividi e “punizioni corporali”. Dopo un’intensa battaglia legale, il Fylkesnemnda di Oslo e Buskerud nel 2017 rigettò l’affidamento definitivo, restituendo i bambini alla famiglia, sebbene con misure di supervisione. Fjord attinge liberamente a quell’episodio, trasformandolo in un affresco sul “nazionalismo freddo e amministrativo” che caratterizza il welfare state nordico.

Mungiu usa il legal thriller come genere per rendere visibile ciò che il dramma familiare spesso nasconde: la “coercizione amministrativa” che deriva dal potere dello Stato di definire cosa sia il “migliore interesse del bambino”. Nel film, la maggioranza democratica – incarnata dall apparato burocratico e dai suoi alleati nella comunità locale – non agisce con violenza tribale, ma con la freddezza di un sistema che si ritiene legittimato a imporre la propria visione. Come recita la lunga riflessione del regista, “Quando un gruppo si trova in maggioranza, i valori che lo hanno portato a quella posizione passano in secondo piano, sostituiti dal piacere di esercitare la propria forza, imponendo il proprio punto di vista agli altri. È quello che definirei un modo di pensare fondamentalista: si è convinti di avere ragione, si ha la certezza assoluta di possedere l’unica verità. Se non si riesce a prendere un po’ le distanze – facendo un passo indietro per osservare la situazione nel suo insieme e riconoscendo che, di fronte a uno stesso evento, le persone avranno sempre punti di vista differenti – allora diventa impossibile trovare una via per la convivenza. Eppure, è proprio l’incapacità di accettare questa diversità di opinioni – che, per inciso, la maggior parte delle persone non cambierà mai – a essere, in ultima analisi, la causa di tutte le guerre.”

La narrazione di Mungiu si inserisce nel solco della sua produzione: il realismo sociale, le lunghe inquadrature, l’assenza di musiche extradiegetiche e un’ossessione per il modo in cui le società regolamentate scontrano i propri codici con realtà culturali diverse. La Palma d’Oro vinta nel 2007 per 4 mesi, 3 settimane, 2 giorni ha segnato il suo esordio internazionale; quella del 2026 consacra una riflessione che ora si sposta oltre i Balcani, verso il cuore dell’Europa “perfetta”. Con Fjord, Mungiu mostra che il fondamentalismo non è prerogativa dei regimi illiberali, ma può annidarsi nella “normatività” stessa di un modello di welfare che pretende di essere universale, mentre di fatto esclude chi non ne condivide i presupposti.

Il film chiude così un cerchio: da 4 mesi, 3 settimane, 2 giorni a Fjord, il regista continua a esplorare il conflitto tra le regole imposte dalla società e le logiche intime di chi cerca di viverci dentro. La Palma d’Oro doppia è anche un segnale: il cinema d’autore europeo considera oggi l’amministrazione della vita – welfare, infanzia, migrazione – come il fronte politico più urgente, più che l’ideologia. Fjord si colloca dunque non solo nel panorama cinematografico attuale, ma anche nella più ampia discussione su cosa significhi “ospitalità” in una democrazia liberale che ha imparato a nascondere la sua intolleranza dietro la burocrazia.

Leni Marseglia apre a Roma lo spettacolo al Teatro Orione il 3 dicembre: “Dalla psicologia clinica alla sessuologia – Perché domani sia un sesso migliore”
Un progetto teatrale, uno spirito ironico e i numeri della sua popolarità

Leni Marseglia: dal contesto clinico al teatro di riflessione e piacere

Leni Marseglia, psicoterapeuta e sessuologa originaria di Milano, aprirà le porte del Teatro Orione a Roma il 3 dicembre per la presentazione del suo spettacolo “Dalla psicologia clinica alla sessuologia – Perché domani sia un sesso migliore”. L’evento avvierà una serata di 1,5 ore, condita da ironia e autoironia, volutamente pensata per smascherare il “velo nero” delle esperienze sessuali negative e per far sentire meno soli gli spettatori.

Marseglia sosterrà che il consenso è l’altezza del gradino sul podio e può essere revocato in qualsiasi momento; al contrario, la “sessualità demonstrativa” pornografica genera stress e raramente emozioni positive. Proponendo invece un approccio di affettività consapevole e piacere condiviso, vuole trasformare la sessualità in salute mentale e fisica.

Le sue credenziali professionali includono psicoterapeuta, psicoterapeuta e sessuologa, membro della Società Italiana di Sessuologia e fondatrice dell’Associazione Internazionale Salute Sessuale Femminile e Anorgasmie. Su social media possiede quasi 100 000 follower e il podcast “Vengo anch’io” ha registrato oltre 3 milioni di download. Ha già intervento a Censis e ha portato le iniziative “La sessualità consapevole” di Six Senses, consolidando un profilo pubblico di spicco nella sessuologia italiana.

Dai dati clinici emergono divisioni nette: il 60 % dei suoi clienti sono donne che segnalano difficoltà di piacere o dolore, mentre il 40 % sono uomini che vivono di ansia da prestazione. Marseglia deconstruisce questi stereotipi, mostrando come il sesso spesso sia solo recita e non necessariamente piacere, e come molte donne fingino l’orgasmo.

La sua motivazione parte da una “vita sessuale molto complicata”, priva di strumenti adeguati. Il podcast ha permesso a migliaia di persone di riconoscere le proprie sofferenze; il messaggio finale “Siamo ancora in tempo per cambiare, capire e migliorare” ribadisce l’urgenza di un cambiamento collettivo, ricordando che 600 persone hanno dato un applauso sollevato in piedi all’ultima conferenza. Con “Piacere mio” (titolo del libro e dello spettacolo) chiede di trasformare la tabu in intimità condivisa.

Romaeuropa Festival chiude i 40 anni con una maratona di 12 ore all'Auditorium: da Philip Glass al Classical Rave Party
Domenica 15 novembre oltre mille artisti e 259 repliche culminano in un flusso continuo dalla Sala Santa Cecilia: 100 violoncelli, le Etudes di Vanessa Wagner, la Banda dell'Esercito e il "party" diretto da Enrico Melozzi con Niccolò Fabi, Alessandro Baricco, Fasma e Anastasio.

Domenica 15 novembre l'Auditorium Parco della Musica Ennio Morricone resta aperto dalla tarda mattinata a mezzanotte per l'atto conclusivo della quarantesima edizione del Romaeuropa Festival. Una maratona musicale di oltre dodici ore, pensata come un unico flusso continuo, ha l'obiettivo dichiarato di «reinventare i rituali dell'ascolto, superare le convenzioni del concerto e celebrare la straordinaria vitalità della creazione musicale». Il finale si distribuisce sull'intero weekend del 14 e 15 novembre, chiudendo un ciclo di programmazione durato due mesi.

I numeri della quarantesima edizione

Il bilancio dell'edizione è stato tracciato dal direttore generale e artistico Fabrizio Grifasi: «oltre 1000 artisti da tutto il mondo, presentando 100 spettacoli e un numero di 259 repliche. Nei prossimi giorni supereremo le 65.000 presenze. Numeri che raccontano la dimensione del Festival ma soprattutto la ricchezza delle esperienze e degli incontri che lo animano. La nostra ambizione è continuare a costruire uno spazio aperto alla ricerca, al rischio culturale, in grado di coinvolgere le voci più autorevoli della creazione contemporanea e di sostenere quelle più giovani ed emergenti».

La maratona: dal minimalismo al Classical Rave

La prima metà della giornata di domenica è affidata al violoncello e a Philip Glass, omaggiato in vista del novantesimo compleanno che cadrà nel gennaio 2027. Alle 11:30 la 100 Cellos Morning Session schiera oltre cento violoncellisti sotto la guida di Giovanni Sollima ed Enrico Melozzi. Alle 15:00 le Philip Glass Afternoon Sessions vedono la pianista francese Vanessa Wagner impegnata nell'esecuzione integrale dei venti Piano Etudes. Alle 18:00 il testimone passa all'ensemble Third Coast Percussion con Aguas da Amazonia, completando un percorso che colloca l'intera giornata nel solco del minimalismo e delle sue discendenze contemporanee.

Il gran finale: Classical Rave Party

Il culmine della maratona è alle 20:00 con il Classical Rave Party di Enrico Melozzi: quattro ore di concerto a ingresso aperto che portano uno «spirito da festa» dentro la Sala Santa Cecilia, storica sede del repertorio sinfonico. Sul palco l'Orchestra Notturna Clandestina e la Banda dell'Esercito Italiano affiancano una lista di ospiti che spazia da Niccolò Fabi ad Alessandro Baricco, da Fasma ad Anastasio, in un esperimento che mescola ensemble militare, elettronica e rap.

Un weekend per superare le convenzioni

Nel loro insieme, le due giornate disegnano un arco che va dal minimalismo di Glass all'elettronica da club, passando per un centinaio di violoncelli e un'orchestra militare: un solo weekend per provare a superare le convenzioni del concerto, come da intenzione del Festival, e chiudere idealmente i quarant'anni di storia.

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