Subheading: Dal 19 al 25 ottobre palazzi storici, gallerie, studi e istituzioni culturali aprono gratuitamente le loro porte a 687 artisti, 182 gallerie/istituzioni e 73 curatori (oltre 8 collettivi). Il programma conta 488 appuntamenti – 145 eventi, 151 mostre e 192 open studio – e introduce strumenti digitali per costruire il proprio itinerario, tour tematici a piedi e i nuovi ‘Punti di Vista’.
Body: L’undicesima edizione della Rome Art Week (RAW) scatta domani alle 18 con la performance “85 Seconds to Midnight – A Wish Against Extinction” all’Auditorium di via Francesco Albergotti, nel quartiere Aurelio. A cura di Roberta Melasecca, l’azione vede la partecipazione di artisti e del pubblico, mirando a mettere in luce le incertezze generate da guerre, crisi ambientali, disuguaglianze e trasformazioni sociali.
Dal centro alla periferia, la città si trasforma in una rete di luoghi da esplorare a piedi o con l’aiuto della geolocalizzazione: sul sito www.romeartweek.com ogni visitatore può selezionare gli eventi di interesse, creare una pagina personale e vedere in tempo reale quali mostre, open studio o incontri sono raggiungibili entro un raggio scelto. Le preferenze del pubblico alimentano inoltre una classifica dinamica degli appuntamenti più amati, offrendo un nuovo punto di vista sulla manifestazione.
Tra le novità del 2026 troviamo i tour gratuiti, organizzabili da artisti, gallerie, istituzioni e curatori, con almeno tre tappe seguendo temi, zone cittadine o interessi personali. Tornano inoltre i ‘Punti di Vista’, selezioni di appuntamenti proposte da figure del mondo dell’arte e della cultura per offrire diversi modi di vivere la settimana.
Il sito ufficiale, cuore pulsante della RAW, integra mappe interattive, motore di ricerca eventi, percorsi personalizzati e informazioni aggiornate, facilitando l’incontro tra pubblico, artisti e i luoghi della cultura romana.
Per chi volesse approfondire, ecco alcuni spunti correlati: il quadrante Via Veneto lancia i ‘first friday’ con musica e degustazioni; una guida ai cortili, giardini, logge e catacombe da visitare ad agosto; e l’opera ‘Bifrontale arancione’ di Pietro Consagra all’aeroporto di Fiumicino, terminal T3.
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Luna P'Art: l'arte che si vive, non si guarda
Al Museo del Genio di Roma, dal 5 dicembre 2026 al 25 aprile 2027, Arthemisia e Fever aprono le porte a «Luna P'Art», la mostra immersiva che trasforma 100 opere di Warhol, Banksy e Murakami in un lunapark di emozioni. Un esperimento che sposta il visitatore dal ruolo di spettatore a quello di protagonista.
«Luna P'Art» debutta al Museo del Genio di Roma il 5 dicembre 2026 e resterà in scena fino al 25 aprile 2027. La nuova mostra immersiva promette di stravolgere il modo in cui il pubblico vive l'arte.
Arthemisia ha unito le sue competenze curatoriali al know-how di Fever, la piattaforma globale che ha reso iconici gli «Van Gogh Immersive ». Il risultato è un colossale insieme di 100 opere originali firmate da 12 nomi di peso, da Andy Warhol a Banksy , da Takashi Murakami a KAWS.
Il cuore del progetto è un ribaltamento del paradigma «guardare e basta». «Luna P'Art» catapulta i visitatori in ambienti che rievocano un lunapark: una stanza di specchi deformanti, una palla pit gigante, un labirinto, una ruota panoramica, una giostra, un tunnel dell'amore e una discesa a scivolo.
Ogni installazione è calibrata per risvegliare memorie sensoriali e far sì che lo stesso meccanismo emotivo influenzi la percezione delle opere. Si può passeggiare nel Tunnel dell'Amore di Murakami o ritrovarsi faccia a faccia con le sculture di KAWS in un microcosmo di mattoncini Lego.
La mostra si inserisce nel fenomeno globale dell'esperienza artistica immersiva, ma va oltre, preservando l'aura dell'opera originale. La curatela si rifà alle teorie della neuroestetica e della cognizione incarnata, che vedono nel corpo e nei movimenti il fondamento della percezione estetica.
A chiusura di questa avventura, «Luna P'Art» rappresenta un punto di svolta per il mondo museale. Il Museo del Genio non sarà più un luogo di oggetti intoccabili, ma un parco giochi in cui il visitatore è invitato a sentirsi, muoversi e reagire.
Digger di Iñárritu: un teatro di accuse che invita a riflettere, non a disperare
HEADLINE: Digger di Iñárritu: un teatro di accuse che invita a riflettere, non a disperare
SUBHEADING: Il nuovo film del regista premio Oscar Alejandro G. Iñárritu mette in scena un processo immaginario contro il magnate del petrolio Digger Rockwell (Tom Cruise), mescolando realtà e finzione teatrale. Nonostante alcune ingenuità drammaturgiche, l’opera riesce a stimolare una conversazione urgente sulla responsabilità collettiva verso il pianeta, lasciando spazio a una speranza di cambiamento.
BODY: Alejandro G. Iñárritu torna dietro la macchina da presa con Digger, un lavoro ambizioso che sposta il focus dal singolo individuo all’intera civiltà occidentale. Al centro della narrazione troviamo Tom Cruise, trasformato da un trucco prostetico pesante, nei panni di Digger Rockwell, tycoon dell’industria petrolifera chiamato a rispondere davanti a un tribunale mondiale per i danni ecologici causati dal suo impero. Accanto a lui, il braccio destro Ganesh (Riz Ahmed) e il presidente degli Stati Uniti Compson (John Goodman, anch’egli vistosamente «prosteticato»), il cui look richiama inequivocabilmente certe figure politiche contemporanee.
Il film apre con quello che sembra un vero processo, ma presto rivela la sua natura teatrale: siamo sulle prove di uno spettacolo che accusa l’umanità di fronte a Digger e alle sue malefatte. Da questo punto in poi la narrazione oscilla continuamente tra palco e dietro le quinte, introducendo personaggi estranei al trama principale – dalla moglie ansiosa per la figlia in volo tempestata di fulmini, al finanziere‑investigatore interpretato da Jesse Plemons, che ricorda il signor Wolf di Pulp Fiction. Questo continuo salto di livello, invece di offrire una riflessione profonda sul confine tra realtà e finzione, diventa spesso un pretesto per sketch personali dove Goodman e Cruise possono sfoggiare la loro verve comica, sebbene a volte risulti eccessivo e dispersivo.
La scena clou si svolge nel tribunale immaginario, dove il pubblico, raffigurante i rappresentanti politici di mezzo mondo, reagisce con un tifo da stadio. Digger ammette le proprie colpe ma le scarica sulla complicità dello spettatore: «Io ho fatto questi danni, ma solo perché voi non volete rinunciare ai vantaggi che questa spoliazione vi procura». Il passaggio, sebbene efficace nel mettere a fuoco il tema della responsabilità condivisa, scivola in una retorica prevedibile che ricorda il finale de Il dottor Stranamore, con i potenti del capitale che già immaginano nuove catastrofi.
Nonostante questi limiti – una durata percepita come il doppio dei 128 minuti effettivi, qualche colpo di scena telefonato e una certa confusione ideologica – il film riesce a compiere qualcosa di prezioso: pone lo spettatore di fronte alla propria partecipazione al disastro ecologico, invitandolo a interrogarsi non solo sulla colpa altrui, ma sul ruolo che ciascuno può giocare per invertire la rotta. In un’epoca segnata da pessimismo climatico, Iñárritu, pur nella sua caratteristica enfasi sul dramma, lascia aperta una finestra di ottimismo: la consapevolezza è il primo passo verso l’azione, e la speranza nasce proprio dalla possibilità di riconoscere i propri errori e di scegliere diversamente.
In definitiva, Digger non è il capolavoro che alcuni si aspettavano, ma è un’opera coraggiosa e fuori dagli schemi che, nonostante le sue imperfezioni, riesce a trasformare la denuncia in un invito alla responsabilità positiva. Un teatro di accuse che, piuttosto che lasciare lo spettatore in disperazione, gli offre la possibilità di immaginare un futuro migliore.
Una lettera d’amore al palcoscenico: il film ‘Elsinore’ di Simon Stone fa il tutto esaurito alla Festa di Roma
Una lettera d’amore al palcoscenico: il film “Elsinore” di Simon Stone fa il tutto esaurito alla Festa di Roma
**SOTTOTITOLO:** Andrea Occhipinti e Lucky Red celebrano la storia di Ian Charleston, attore coraggioso che trasformò la malattia in un trionfo artistico eterno.
Simone Stone ha firmato un film che parla di arte, riscatto e speranza, raccontando la straordinaria vicenda di Ian Charleston. Nel film, uscito in anteprima alla Festa di Roma e nelle sale il prossimo 28 gennaio grazie alla Lucky Red di Andrea Occhipinti (co-prodotto con Magnolia Mae Films), l’attore irlandese Andrew Scott interpreta Charleston, già noto per il suo Principe di Danimarca nel West End del 2017, in una performance che sta già suscitando grandi entusiasmi.
Tutto inizia nell’autunno del 1989, quando il grande attore teatrale Ian Charleston viene chiamato dal regista Richard Eyre al National Theatre di Londra per sostituire Daniel Day‑Lewis nella leggendaria messa in scena dell’Amleto shakespeariano all’Olivier, il massimo palcoscenico del prestigioso teatro. Era il sogno di una vita. Ma proprio quel giorno scoprì di aver contratto il virus Hiv, allora definito la “peste degli omosessuali”. Eppure riuscì a salire sul palco per 24 memorabili repliche, morendo poche settimane dopo, nel gennaio 1990. La sua parabola è diventata un vero inno alla vita e all’eterno ritorno della morte in scena.
La sceneggiatura di Stephen Beresford, costruita “irizzando la musicalità della straordinaria recitazione di Andrew”, è un viaggio dell’eroe: un ostacolo viene affrontato, superato, e alla fine arriva la liberazione e la possibilità di morire avendo compiuto la sua missione. “Recitare per Ian equivaleva a sentirsi vivo, è stato davvero salvato dall’Amleto”, spiega Stone. L’alternativa sarebbe stata un letto d’ospedale negli ultimi mesi di vita. Invece, Charleston aprì la propria anima al pubblico, parlandogli della paura della morte che tormenta il personaggio.
Al suo fianco c’è Olivia Colman, amica e grande fan di Scott, nel ruolo della dottoressa Margaret Johnson, mentre il National Theatre stesso diventa un personaggio protagonista: “Il nostro Elsinore”, afferma Scott, riferendosi al castello di Amleto. L’opera è ovunque sold‑out, un chiaro segnale che il pubblico riconosce in essa un inno alla vita, un inno all’eterno ritorno dopo ogni morte in scena. “Celebriamo l’immortalità di Ian, ci ha insegnato che si può guardare nell’abisso con speranza”, sottolinea Stone.
Anche dal punto di vista produttivo il film non è stato un cammino facile. Andrea Occhipinti conferma: “Ho provato a portare sul grande schermo la storia di Ian dal 2000, l’avevo conosciuto nell’84, era vitale e divertente. Poi l’ho ritrovato a Roma, depresso e poco soddisfatto di sé, per girare *Opera* con Dario Argento. Poco dopo è iniziata la storia che raccontiamo. Come molti coinvolti nella realizzazione del film, molte persone vicino a me sono morte di AIDS in quell’epoca. Come Kermit Smith, con cui ho fondato Lucky Red, scomparso nel 2001”.
Dopo la morte di Charleston, la famiglia rese pubbliche le informazioni sulla sua malattia e sulla sua omosessualità. “Un gesto coraggioso che ha dato a tante persone la libertà di vivere apertamente la propria omosessualità”, commenta Occhipinti. “Lo stigma legato all’AIDS è scomparso, ma viviamo in un momento in cui si torna a guardare con ostilità alla comunità queer e gay”.
Il film, girato da Simon Stone, è un vero e proprio omaggio al teatro, che trasforma il dolore personale di un uomo in un messaggio universale: l’arte può salvare, anche nei momenti più duri, e può farci guardare all’abisso con speranza.
Report apre con «Piste e depistaggi»: inchiesta su Valter Lavitola e il tentativo di omicidio di Sigfrido Ranucci
L’inchiesta parte dal cantiere navale Vittoria di Adria e segna una volontà di resistere alle frequentazioni private del vecchio conduttore Sigfrido Ranucci.
Report avvia la nuova stagione con l’inchiesta «Piste e depistaggi», un titolo che evoca piste nascoste tra servizi segreti, affari e politica. Il seguitro conduttore è Claudia Di Pasquale insieme a Daniele Piervincenzi, sostenuti dai «due firme storiche» Bernardo Iovene e Giulio Valesini. L’episodio si svolge sul cantiere navale Vittoria di Adria, sede della Procura di Roma che ha seguito il tentativo di omicidio del giornalista sigfrido Ranucci, e segna una dichiarazione d’indipendenza dalla gestione precedente.
Al centro dell’inchiesta compare Valter Lavitola, imprenditore e figura chiave degli affari legati alla mafia e ai servizi segreti, indicato come mandante dell’attentato al giornalista. Le indagini della Procura di Roma hanno evidenziato un’amizia stretta tra Ranucci e Lavitola, rendendo il caso un nodo tra potere politico, criminalità organizzata e affari. La scelta di aprire la stagione su Lavitola non è neutra: vuole separare l’operato di Report dalle frequenti frequentazioni private del vecchio conduttore.
Ranucci era garantore, narratore, commentatore e spesso il «giustiziere» morale delle battaglie del programma. La nuova redazione, con Di Pasquale e Piervincenzi, difende il programma come «libero, indipendente, rigoroso» e chiede al pubblico che il «convitato di pietra» non ricambia la scena. Non si tratta di un semplice cambio di conducente, ma di un passaggio delicato in cui il formato e la qualità investigativa devono dimostrare di non dipendere dalla personalità di Ranucci.
La domanda dell’inchiesta nasce da una ricostruzione teorica, come un interrogatorio morale in studio. Report diventa verifica pubblica, mostrando i fili che hanno tenuto occupata la Procura per mesi. Per «dimenticare Sigfrido», il programma deve tornare sulla pagina più scomoda della sua gestione, ma allo stesso tempo dimostrare che il giornalismo d’inchiesta non richiede il carisma di un solo uomo.
Il futuro passa dalla capacità di separare l’operato giornalistico dalle vicende private dell’ex conduttore. Se la nuova direzione riesce a mostrare contenuti indipendenti, Report può sopravvivere. La scommessa della nuova stagione è: «Dimenticare Sigfrido, riscoprire il giornalismo d’inchiesta», così il programma è pronto ad affrontare nuove piste, mantenendo ferma la barra sull’inchiesta su Lavitola e sui prossimi casi.
