Laura Morante, 70 anni: «Il teatro è l’unico rifugio contro il tempo che sfuma»
Laura Morante, 70 anni, torna in scena a Treviglio con «Insieme». Un rituale familiare e una riflessione sul tempo, il fallimento e la memoria.
La sera di domenica 18 ottobre, al Tnt di Treviglio, la luce del palco si accende su un volto che ha attraversato decenni di cinema italiano. Laura Morante, compiuti 70 anni, è pronta a incarnare la fragilità umana nella pièce «Insieme», scritta e diretta da Fabio Marra, che la vede in scena assieme alla figlia Eugenia Costantini.
«Mi ero portata avanti. A ogni cifra tonda, ho sempre cercato di immaginare cosa sarebbe successo dieci anni dopo», confessa la Morante, che ormai avverte una «sensazione di maggiore selettività e urgenza» nelle sue scelte. Si chiede, per esempio, se riuscirà a leggere i libri non ancora letti o a visitare i posti non visti, ma non porta rimpianti, se non «un dispiacere: non essere mai stata diretta dai fratelli Cohen».
Madre di Eugenia Costantini e di Agnese Claisse, entrambe attrici, non le ha mai scoraggiate dal seguire la sua stessa passione. «Se ho un merito, come madre, è quello di aver insegnato che non bisogna aver paura del fallimento», dice, pur riconoscendo che le figlie hanno ereditato da lei, oltre alla passione, una «scarsa propensione per le pubbliche relazioni».
In «Insieme», la Morante interpreta una madre che ha dedicato la propria esistenza al figlio disabile, mentre l’altra figlia, interpretata da Eugenia, si sente tagliata fuori da questa relazione esclusiva. I temi toccati sono seri e impegnativi, ma li trattiamo con «leggerezza calviniana», spiega, aggiungendo che la pièce è un rituale familiare che esplora silenzi e tensioni.
Non è la prima volta che recita con le figlie: Agnese è stata sua figlia in «Ferie d’agosto» e in «Un altro Ferragosto» di Paolo Virzì. «È una forte emozione stare con ciascuna di loro sul set o sul palco», ammette, ma sottolinea che non si è mai permessa di interferire con le direttive del regista.
Nata in una famiglia di artisti, la Morante ha iniziato come ballerina, esibendosi a Bergamo con «I danzatori scalzi» prima di essere dirottata da Carmelo Bene verso il teatro. Nel 1980, con «Oggetti smarriti» di Giuseppe Bertolucci, è approdata sul grande schermo, incarnando personaggi entrati nell’immaginario collettivo.
Oggi, a 70 anni, si chiede se ci sia ancora spazio per lei nel cinema italiano. «Boh. Di sicuro c’è solo che non sono stata traumatizzata dal recente traguardo dei 70», sorride. Ma ammette che la scarsa meritocrazia del cinema italiano e la sua renza a produttori rendono difficile la realizzazione dei suoi progetti. «Ho altri due film in cantiere. Da parecchio. Il problema è che non trovo i produttori», spiega, citando che per «Ciliegine» ci ha messo sette anni e ha dovuto andare in Francia.
Parallelamente, la scrittura le offre un rifugio più intimo. «Dieci storie pop», la sua seconda fatica letteraria, raccoglie novelle che attraversano gli anni Sessanta, ognuna intitolata a un successo musicale dell'epoca. «Le cosiddette “canzonette” sono come le Madeleine proustiane: evocano memorie e si caricano di emozioni soggettive», dice. L’ambientazione nella scabra periferia di Centocelle richiama il mondo pasoliniano, ma con un’atmosfera più impressionista. «Gli anni Sessanta contenevano già il germe di tutte le degenerazioni successive», riflette, «ma avevano anche un’aura magica che copriva le brutture».
È nipote di Elsa Morante, la prima donna a vincere il Premio Strega. Sua zia, troppo severa, non avrebbe voluto un parere sul libro. Invece, è convinta che suo padre, scrittore anche lui, avrebbe apprezzato «Dieci storie pop».
Ora, con il teatro, la scrittura e la ricerca di una verità più oscura, Laura Morante continua a cercare, tra le ombre del palco e della memoria, un senso per il tempo che le rimane.
Il Galata Museo del Mare entra nel Premio Arte Laguna: 15 artisti in mostra a Genova nella primavera 2027
La ventunesima edizione del concorso internazionale si terrà a Venezia dal 6 al 29 novembre sul tema «Rotte. Storie di mare, partenze e connessioni». Tra 415 candidature da tutto il mondo, la giuria ne ha selezionate quindici per l'esposizione primaverale al Mu.MA.
Il Galata Museo del Mare di Genova partecipa alla ventunesima edizione del Premio Arte Laguna, concorso internazionale di arte contemporanea in calendario a Venezia dal 6 al 29 novembre. La collaborazione si inserisce nel tema dell'edizione, «Rotte. Storie di mare, partenze e connessioni», ponendo il museo genovese al centro di uno scambio istituzionale di alto profilo.
I numeri parlano chiaro: 415 artisti provenienti da ogni angolo del mondo hanno presentato la propria candidatura, ma solo 15 sono stati scelti dalla giuria. Le opere dei selezionati non rimarranno a Venezia: nella primavera del 2027 saranno esposte in una mostra dedicata all'interno del Galata Museo del Mare.
Marco Ansaldo, Presidente del Mu.MA, parla di «rafforzamento della presenza del Galata in una rete culturale internazionale». Elena Putti, Direttrice del museo, sottolinea come l'arte contemporanea permetta di rileggere le storie custodite «attraverso sensibilità e linguaggi nuovi». Pier Luca Bertè, Vicepresidente Genova Cultura, definisce il premio un'occasione concreta di confronto tra artisti, museo e pubblico.
Il tema «Rotte» interroga la duplice natura del mare: da barriera di confine a ponte di migrazione e incontro tra culture. Le opere selezionate porteranno al Galata sguardi diversi sulle partenze, sui confini e sulle relazioni che il mare rende possibili, trasformando il museo in un laboratorio di dialogo attuale.
L'esposizione genovese segnerà il passaggio cruciale dalla selezione veneziana all'esposizione istituzionale, assicurando agli artisti selezionati una visibilità duratura. Questa collaborazione consolida Genova come nodo cruciale nella rete culturale internazionale, fondendo passato marittimo e futuro artistico.
A Roma apre la mostra “I LIKE THIS PLACE. Living with Art and Design” al Palazzo Orsini Taverna
L'inaugurazione segna la quinta tappa dell'itinerante “Trésor-en-valise”, che unisce l'astrazione romana degli anni '50-'70 con il design moderno del Nord Italia in una partnership tra EDDart e Giustini/Stagetti.
A Roma, l'inaugurazione della mostra “I LIKE THIS PLACE. Living with Art and Design”, curata da Emanuela Nobile Mino, si è aperta al Palazzo Orsini Taverna, un palazzo storico del XVI secolo in Via di Monte Giordano, segnando la quinta tappa dell'itinerante progetto “Trésor-en-valise” e l'espansione di EDDart nel collezionismo design tramite una partnership con Giustini/Stagetti.
L'esposizione propone un dialogo a due tra l'astrazione romana degli anni '50-'70, rappresentata da Achille Perilli, Francesco Del Drago e Giulio Turcato, e il design moderno del Nord Italia, incarnato da figure come Gio Ponti, noto per la sua sintesi tra architettura e oggetto, e Ettore Sottsass, fondatore del movimento Memphis il cui approccio eclettico ha introdotto un linguaggio provocatorio e colorato.
Tra i lavori iconici spiccano la lampada da pavimento “Triennale” di Angelo Lelii (1947), il divano “Califfo” di Ettore Sottsass e l'applique del 1952 firmata da Gino Sarfatti e Vittoriano Viganò per Casa Galli. L'allestimento mira a creare un paesaggio domestico intimo dove luce e colore uniscono arte e funzione senza gerarchie, in linea con il principio “less but better” di Dieter Rams.
La mostra è la quinta tappa del progetto itinerante “Trésor-en-valise”, ispirato alla Boîte-en-valise di Marcel Duchamp, che ha già portato a Milano e Firenze opere di Gaetano Pesce e Andrea Branzi, e che intende ricreare un “tesoro” di design e arte attraversando le principali città italiane, evidenziandone le affinità e le contrasti.
All'inaugurazione hanno partecipato i fondatori delle gallerie Elena Del Drago (EDDart) e Roberto Giustini e Stefano Stagetti (Giustini/Stagetti), la direttrice Costanza Pinci, e rappresentanti di MiC, GNAM e MAXXI, tra cui Costantino D'Orazio, Massimo Mininni e Silvia La Pergola, nonché numerosi artisti, critici e collezionisti, tra cui Mauro Nicoletti, Floriana Viesti e Fabio Salini, a testimonianza di un interesse trasversale per il tema dell'abitare con arte e design.
«Ludwig»: quando il male indossa la divisa e chiama giustizia la sua follia
Su Sky Crime e Now il documentario che smonta la banalità del male neonazista: non c'è redenzione, solo progetto criminale.
Non c'è niente da capire. Niente da «contestualizzare». Il documentario su «Ludwig» in onda su Sky Crime e Now ti mette davanti alla verità nuda: l'orrore, quando indossa un'uniforme ideologica, pretende di avere ragione. Punto.
Il male non è un incidente di percorso. È un progetto. Lo dice il titolo, lo urla lo schermo: la persecuzione e la violenza neonazista non sono derive, sono il metodo. Chi cerca sfumature qui perde tempo. La macchina dell'odio funziona a orologeria, lucida, burocratica, convinta della propria legittimità. È questo che fa paura. Non la bestialità — quella è quasi onesta — ma la normalità con cui l'ideologia trasforma l'essere umano in strumento.
Sky Crime e Now non edulcorano. Mostrano il meccanismo: l'uniforme ideologica come scudo, la violenza come linguaggio, la persecuzione come amministrazione. Non c'è redenzione narrativa, non c'è il «ma». C'è solo il fatto. E il fatto è che il male, quando si organizza, smette di essere errore e diventa sistema.
Guardatelo. Non per «capire». Per riconoscere. Perché la prossima volta che qualcuno vi dirà che «bisogna ascoltare anche loro», saprete esattamente cosa significa quell'uniforme. E non avrete scuse.
